ASUNA

Taking a slow walk around the chalk circle that marked the perimeter of the performance, I pictured other people, elsewhere in Brooklyn, also getting lost in sound. Undoubtedly, there were some immersed in meditative sound baths with chakra-tuned crystal bowls and gongs. There were also bedroom music producers hunched over toylike electronics, making intentionally low-fidelity grooves. But here, the lo-fi toys were the sound bath, and it did indeed feel therapeutic.

In the site-specific performance, which he first devised nearly two decades ago, Asuna moves between the toy instruments, arranged in concentric circles on the floor, and uses popsicle sticks to hold down the same, single key on each one. The notes—which vary slightly due to shifts in pitch as the second-rate devices’ batteries gradually wear out—build into a hypnotic drone known as a moiré pattern, in which layers of similarly pitched timbres combine and collide to create a meditative, sublime hum. We recently spoke with Asuna about the sonic experience, and how it might help reframe our thinking during these uncertain times.

¿Por qué haces música Ambient?​

A decir verdad, cuando era adolescente tocaba en una banda de noise, hardcore y junk. Luego, a fines de los 90, cuando comencé a hacer mi música solista, la combinación de música electrónica basada en computadora con instrumentos acústicos y grabaciones de campo fue muy emocionante para mí. A partir de ahí me interesé por las texturas y los fenómenos sonoros. Comencé a hacer música de drone ambiental basada en reed organ y electrónica de computadora. En 2003, lancé mi álbum debut solista a través de un sello europeo llamado Lucky Kitchen.

​Me vi muy influenciado por Alejandra Salinas y Aeron Bergman de Lucky Kitchen, el sello que lanzó mi primer álbum. Así es como comencé a interactuar con la tecnología de una manera crítica e idílica, y cómo obtuve otros puntos de vista narrativos sobre el folk. En lugar de música, la idea y el pensamiento eran el «Ambient» en sí mismo.